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A journey into the rich musical culture of our next-door neighbor, “México Lindo y Querido” shows the breadth and beauty of Mexican musical culture across centuries. Meet early Baroque and Renaissance composers who were creating art in Mexico in the early 1600s, zoom forward to the Twentieth Century, and be transported by a suite of Pop, Folk, and Mariachi music; a cornucopia of styles made even more brilliant by the incredible soprano Estelí Gomez.

SUITE OF EARLY MEXICAN MUSIC, arr. Alex Fortes

When Spanish conquistadores led by Hernán Cortés arrived at the court of Aztec ruler Moctezuma II in 1519, both men represented empires that had greatly expanded territory and consolidated power over the previous century. With the help of recently conquered indigenous peoples, as well as guns, smallpox, and boundless iniquity, Cortés overthrew the empire of the Aztecs, who are also known as the Mexica people. Spaniards were well-versed in how to do this, as it had only been a few decades since Spain had finished driving out the Caliphs, Sultans, and Emirs that had ruled Iberian Al-Andalus for centuries.

By the 17th and 18th centuries, the musical culture of Mexico was already in a period of incredibly vibrant exchange. The Suite of Early Mexican Music heard here presents music incorporating three overarching cultural sources: the diverse traditions of the Iberian peninsula, including music with origins in Berber, Romani, Jewish, Islamic, Catalan, and Basque culture; the cultures of the West African slaves that had been forcibly brought to harvest the resources that would enrich Spain; and the traditions of the many different indigenous languages, people, and cultures present in Mexico before European colonization.

Four of the five pieces originate with 17th century composers – Gaspar Fernandes (1566-1629), Juan Gutiérrez de Padilla (1590-1664), and Juan Garcia de Zéspedes (1619-1678) – who were associated with the cathedral of Puebla in central Mexico. As part of their missionary purpose, these composers incorporated indigenous dance rhythms and language into their religious music, and may have worked with indigenous musicians to do so. This is most notable in Fernandes’ solemn Nahuatl Christmas prayer, Xicochi Conetzintle (here performed wordlessly), and in Zéspedes’ Guaracha, which evokes the dance rhythms and harmonies arising from the Veracruz fusion of indigenous (primarily Huastec), Spanish, and African traditions known as Son Jarocho, most familiar to twenty-first century audiences through Ritchie Valens’ late twentieth-century hit, La Bamba. In the middle of the set is a version of another traditional Jarochera, Chuchumbé, which was first written about in 1766 by a Veracruz friar in a letter denouncing its raunchy lyrics, as well as the mixed gender and mixed race dancing that accompanied its performance. Within months the song was banned by the Inquisition of Mexico, a ban lasting until 1802. 

-Alex Fortes, program curator and AFC violinist

Silvestre Revueltas (1899-1940)
CUAUHNÁHUAC (ORIGINAL 1931 VERSION FOR STRING ORCHESTRA)

Silvestre Revueltas wrote some of the most vividly arresting music of the 20th century during his brief life. One of twelve children (six of whom would become artists in various disciplines) born in Santiago Papasquiaro, Mexico, his musical education spanned the Americas. From early studies in his hometown, he went on to pursue further education in Austin, Texas, then Chicago, Illinois. He continued to follow opportunities that led him around the world, performing in silent movie orchestras in San Antonio (TX) and Mobile, Alabama before finally settling in Mexico City. 

It was his contemporary and fellow Mexican composer Carlos Chávez who had persuaded Revueltas to come back in 1929 to accept positions as a violin instructor and conductor of the student orchestra at the National Conservatory, and assistant conductor of the Symphony Orchestra of Mexico. It was during this time that Revueltas began composing with tremendous zeal. In an astounding burst of creativity, he wrote 30 works, including orchestral, chamber, songs, ballet, and film scores within a roughly 10-year period. Sadly, his life was cut tragically short when he died from the effects of alcoholism just two months before his 41st birthday in 1940. Given how prolific he was, it’s astounding to think what might have been had he lived longer. 

In his many works that draw inspiration from the ancient heritage of the country, Revueltas never fully quoted any specific folk tunes. Instead, he utilized his ability to go beyond the notes to capture the soul and spirit of pre-colonial Mexico whilst weaving in elements of modernist art music. That is what we hear in Cuauhnáhuac, the first large-scale work the composer penned, dating to 1931.

Cuernavaca, Mexico was originally called Cuauhnáhuac in Aztec. Now a popular resort town, its name translates roughly to “surrounded by trees.” Dramatic and vibrant, the time signatures of its namesake music shift frequently (sometimes every bar or two) imparting a propulsive energy that brings alive the historic city and its civilization.

Julián Carrillo (1875-1965)
EN SECRETO FROM DOS BOSQUEJOS, transc. Alex Fortes

Julián Carrillo is arguably one of the most inventive composers to emerge from Mexico during incredibly transformative years straddling the end of the 19th century well into the 20th. Educated at the National Conservatory in Mexico City, he studied violin and acoustics. The latter subject points to Carrillo’s interest in the physics of music, a preoccupation that would eventually profoundly shape his approach to composition. Between 1899-1905, Carrillo initially continued his instrument performance studies in Germany at the Royal Conservatory of Music in Leipzig (which traces its founding back to composer Felix Mendelssohn) before transferring to the Royal Conservatory of Ghent in Belgium in order to study with a former pupil of the legendary violinist Eugène Ysaÿe. 

Carrillo was appointed professor of harmony at his alma mater, the National Conservatory, upon his return to Mexico. During this time he also dedicated more time to composing, as well as founding and conducting the Beethoven Orchestra. The ensuing years were spent navigating the political and societal changes brought about by the Mexican revolution that impacted his professional life, eventually resulting in the need for Carrillo and his family to briefly relocate to New York City between 1914-1918. After returning to Mexico, Carrillo began composing again, and would soon develop a system built on microtones that he introduced to the world through an article titled the “Theory of the Thirteenth Sound” in 1923. He also created a new notational system, and microtonal instruments. 

A prolific composer throughout his life, Carrillo would produce 13 string quartets in all. Listening to them is a fascinating microcosm of the composer’s creative journey. The first quartet sounds solidly of the late romantic, the second is distinctly modernist, but the third sounds like it’s from an entirely different planet. Written in 1928, it was Carrillo’s debut in microtonal writing for the genre. Instead of 3 or 4 movements, the String Quartet No. 3 contains just two pieces. The first is titled Meditación (Meditation) and the second En Secreto (Secretly). As Carrillo scholar Alejandro L. Madrid notes, the focus of the music is not melody, but rather harmony. A particularly spellbinding effect comes at the conclusion of En Secreto as the music seems to dissolve, sparkling into the atmosphere as the harmonies transition into the realm of the overtone series.

Gabriela Ortiz (b. 1964)
LA CALACA (2021 VERSION)

Gabriela Ortiz was born into a family of musicians. Her parents were members of Los Folkloristas, a renowned folk music ensemble whose purpose was to “preserve and record the traditional music of Mexico and Latin America.” The house was full of music, everything from Beethoven to mariachi. Once Ortiz began to take piano lessons she encountered the music of Béla Bartók, a composer she recalls as “one of the most important composers” in her life because his music helped her realize that “rhythm could be more complex.” This element of music has remained central to Ortiz, as she shared in a recent interview: “Rhythm is very important in my music. I conceive rhythm in terms of pulse. I think that in Europe, sometimes the way they feel the rhythm is in terms of durations, but for me, pulse is extremely important.” 

La Calaca (The Skull) made its debut in 1997 as the fourth and final part to Altar de Muertos (Alter of the Dead) for the Kronos Quartet. Ortiz premiered this arrangement for string orchestra at the Ojai Music Festival in 2021. The work was inspired by the traditions and festivities surrounding the Day of the Dead each November when loved ones are remembered and celebrated. Ortiz described the work as reflecting “the internal search between the real and the magic, a duality always present in Mexican culture, from the past to this present.” Each movement of the string quartet represents the “diverse moods, traditions and the spiritual worlds which shape the global concept of death in Mexico, plus my own personal concept of death,” she explains. Those movements are Ofrenda, or the offerings to the departed ancestors, Mictlan, the Aztec underworld, Danza Macabra, or the “Dance of Death” and La Calaca, “The Skull.”

In her original program notes for the piece, Ortiz remarks that La Calaca expresses “Syncretism and the concept of death in modern Mexico, chaos and the richness of multiple symbols, where the duality of life is always present: sacred and profane; good and evil; night and day; joy and sorrow.” She continues, “This movement reflects a musical world full of joy, vitality, and a great expressive force. At the end of La Calaca I decided to quote a melody of Huichol origin, which attracted me when I first heard it. That melody was sung by Familia de la Cruz. The Huichol culture lives in the State of Nayarit, Mexico. Their musical art is always found in ceremonial and ritual life.”

SUITE OF MEXICAN POP, FOLK, AND MARIACHI MUSIC, arr. Alex Fortes

This suite of Mexican Pop, Folk, and Mariachi music, curated and arranged by Crier violinist Alex Fortes, takes listeners on a tour through a cross-section of Mexican popular music from the 20th century. It includes stars from the Golden Age of entertainment, such as Pepe Guízar, whose music is featured in Orson Welles’ Citizen Kane, Francisco Gabilondo Soler, who found his initial taste of fame on the airwaves as “Cri-Cri,” an anthropomorphic cricket performing songs for children, Tomás Méndez whose works were performed by Harry Belafonte and Perry Como, and Alfredo D’Orsay, amongst others. Raymundo Perez y Soto and Lila Downs were born 60 years apart, yet both artists occasionally utilize the ancient Nahuatl language in their songs. The modern pop era is represented by José Alfredo Jimenez and chart-topping song writers like Ricky Vela, whose numerous credits include working with Selena before her tragic death. Also featured are several selections of Mariachi music, a genre with a 200-year history, including Jesús Monge Ramírez’s Mexico Lindo y Querido, which lends this program its title.


Program curator Alex Fortes writes:

The existence of nearly 70 national languages recognized by the Mexican government, 63 of them indigenous, speaks to the incredible breadth of cultures existing in this region of North America long before it was first colonized by Europeans 500 years ago. This ten-song set samples songs from across many different styles and regions. Included are various huapangos, such as La Cigarra, Malagueña Salerosa, El Pastor, incorporating heavy use of falsetto and a characteristic complex rhythm designed for dancers to perform zapateados on wooden platforms, and originating in the folk traditions of lands historically occupied by the Huastec people. La Media Calandria is a folk song from the calentano fiddling tradition of Michoacán in southern Mexico.

Francisco Gabilando Soler, composer of El Ratón Vaquero, became an international radio star in the 1930s under his moniker, Cri-Cri, el grillito cantor (the singing cricket) with an entire catalogue of popular children's songs. His grandson confirmed in a 2016 interview that Walt Disney had offered to purchase the rights of his entire catalogue, an offer that he refused shortly before a strikingly similar character, Jiminy Cricket, appeared in Disney’s 1940 feature length film, Pinocchio. This song, about a swashbuckling American cowboy mouse caught in a trap, is likely a response to this series of events.

Rounding out the set are Mexican and Mexican-American pop songs, from Ricky Vela’s bolero/mariachi/ranchera torch song written for 1990s Tejana sensation Selena Quintanilla Pérez, No Me Queda Más, to Lila Downs’ and Paul Cohen’s 2011 tribute to the women who grind corn into masa and make tortillas, Palomo del Comalito, to the classic pop mariachi hits El Rey and México Lindo y Querido. The last of these, from which the concert takes its title, talks of dying far away from Mexico, and if so, telling everyone you are only sleeping and being buried in the agave fields. In 2020, Univision anchor Jorge Ramos wrote about how this song had new significance during the COVID-19 pandemic, when many Mexicans abroad ran into unprecedented hurdles trying to repatriate the bodies of their loved ones, who had expressed this very wish in their wills.

Kathryn J. Allwine Bacasmot is a pianist/harpsichordist, musicologist, music and cultural critic, and freelance writer. A graduate of New England Conservatory, she writes program annotations for ensembles nationwide.

Un viaje a la rica cultura musical de nuestro vecino, "México Lindo y Querido" muestra la amplitud y belleza de la cultura musical mexicana a través de los siglos. Conozca a los primeros compositores del Barroco y del Renacimiento que creaban arte en México a principios de 1600, avance hasta el siglo XX y déjese transportar por una suite de música pop, folclórica y de mariachi; una cornucopia de estilos que se hace aún más brillante con la participación de la increíble soprano Estelí Gómez.

SUITE DE MÚSICA MEXICANA ANTIGUA, arr. Alex Fortes

Cuando los conquistadores españoles liderados por Hernán Cortés llegaron a la corte del gobernante azteca Moctezuma II en 1519, ambos hombres representaban imperios que habían ampliado enormemente su territorio y consolidado su poder durante el siglo anterior. Con la ayuda de los pueblos indígenas recién conquistados, así como de las armas, la viruela y una iniquidad sin límites, Cortés derrocó el imperio de los Aztecas, también conocidos como Mexicas. Los españoles tenían experiencia, ya que hacía sólo unas décadas que España había terminado de expulsar a los califas, sultanes y emires que habían gobernado el Al-Andalus ibérico durante siglos.

En los siglos XVII y XVIII, la cultura musical de México contaba ya con un intercambio increíblemente vibrante. La Suite de música antigua mexicana que se escucha aquí incorpora tres fuentes culturales dominantes: las diversas tradiciones de la península ibérica, incluyendo música con orígenes en las culturas bereber, romaní, judía, islámica, catalana y vasca; las culturas de los esclavos de África occidental traídos a América contra su voluntad para cosechar los recursos que enriquecerían a España; y las tradiciones de las diferentes lenguas, pueblos y culturas indígenas presentes en México antes de la colonización europea.

Cuatro de las cinco piezas tienen su origen en compositores del siglo XVII -Gaspar Fernandes (1566-1629), Juan Gutiérrez de Padilla (1590-1664) y Juan García de Zéspedes (1619-1678)- que estuvieron vinculados a la catedral de Puebla, en el centro de México. Como parte de su propósito misionero, estos compositores incorporaron los ritmos y el lenguaje de la danza indígena a su música religiosa, y es posible que hayan trabajado con músicos indígenas para ello. Esto es sobre todo notorio en la solemne oración navideña en náhuatl de Fernandes, Xicochi Conetzintle (interpretada aquí sin palabras), y en la Guaracha de De Zéspedes, que evoca los ritmos de danza y las armonías que surgen de la fusión veracruzana de tradiciones indígenas (principalmente huastecas), españolas y africanas, conocida como Son Jarocho, más familiar para el público del siglo XXI a través del éxito de finales del siglo XX de Ritchie Valens, La Bamba. En el centro del conjunto se encuentra una versión de otra jarochera tradicional, Chuchumbé, sobre la que un fraile veracruzano escribió por primera vez en 1766 en una carta en la que denunciaba su letra lasciva, así como los bailes que acompañaban su interpretación en donde se mezclaban géneros y razas. A los pocos meses la canción fue prohibida por la Inquisición de México, prohibición que duró hasta 1802.



Julián Carrillo (1875-1965)
EN SECRETO DE DOS BOSQUEJOS, transc. Alex Fortes

Julián Carrillo es sin duda uno de los compositores más inventivos que surgieron en México durante los años increíblemente transformadores del final del siglo XIX hasta bien entrado el XX. Formado en el Conservatorio Nacional de la Ciudad de México, estudió violín y acústica. Esta última asignatura apunta al interés de Carrillo por la física de la música, una preocupación que acabaría moldeando profundamente su enfoque de la composición. Entre 1899 y 1905, Carrillo continuó sus estudios de interpretación de instrumentos, primero en Alemania, en el Real Conservatorio de Música de Leipzig (cuya fundación se remonta al compositor Felix Mendelssohn), antes de trasladarse al Real Conservatorio de Gante, en Bélgica, para estudiar con un antiguo alumno del legendario violinista Eugène Ysaÿe. 

A su regreso a México, Carrillo fue nombrado profesor de armonía en su alma mater, el Conservatorio Nacional. Durante este tiempo también dedicó más tiempo a componer, así como a fundar y dirigir la Orquesta Beethoven. Los años siguientes los pasó sorteando los cambios políticos y sociales provocados por la Revolución Mexicana, que afectaron a su vida profesional, lo que hizo que Carrillo y su familia tuvieran que trasladarse brevemente a Nueva York entre 1914 y 1918. Después de regresar a México, Carrillo comenzó a componer de nuevo y pronto desarrolló un sistema basado en microtonos que dio a conocer al mundo a través de un artículo titulado "Teoría del Sonido 13" en 1923. También creó un nuevo sistema de notación e instrumentos microtonales. 

Compositor prolífico a lo largo de su vida, Carrillo llegaría a producir un total de 13 cuartetos de cuerda. Escucharlos es un microcosmos fascinante del viaje creativo del compositor. El sonido del primer cuarteto se inserta sólidamente en el romanticismo tardío, el segundo es claramente modernista, pero el tercero suena como si fuera de un planeta completamente diferente. Escrito en 1928, fue el debut de Carrillo en la escritura microtonal para el género. En lugar de tres o cuatro movimientos, el Cuarteto de cuerda nº 3 contiene sólo dos piezas. La primera se titula Meditación y la segunda En Secreto. Como señala el estudioso de Carrillo, Alejandro L. Madrid, la música no se centra en la melodía, sino en la armonía. Un efecto especialmente cautivador se produce al final de En Secreto, cuando la música parece disolverse, resplandeciendo en la atmósfera a medida que las armonías pasan al ámbito de la serie de sobretonos. 



Silvestre Revueltas (1899-1940) 
CUAUHNÁHUAC (VERSIÓN ORIGINAL DE 1931 PARA ORQUESTA DE CUERDA)

Silvestre Revueltas compuso una parte de la música más impactante del siglo XX durante su breve vida. Nacido en Santiago Papasquiaro, Durango, México y uno de doce hermanos (seis de los cuales se convertirían en artistas en diversas disciplinas) su educación musical abarcó las Américas. De los primeros estudios en su ciudad natal, pasó a ampliar su formación en Austin, Texas, y luego en Chicago, Illinois. Siguió aprovechando oportunidades que le llevaron alrededor del mundo, actuando en orquestas de cine mudo en San Antonio, Texas y Mobile, Alabama, antes de establecerse finalmente en la Ciudad de México. 

Fue Carlos Chávez, su contemporáneo y colega compositor, quien convenció a Revueltas para que regresara en 1929 y aceptara puestos como profesor de violín y director de la orquesta de estudiantes del Conservatorio Nacional, y como director asistente de la Orquesta Sinfónica de México. Fue durante esta época cuando Revueltas comenzó a componer con tremendo celo. En un asombroso arranque de creatividad, compuso 30 obras, que incluyeron música para orquesta, de cámara, canciones, ballet y partituras de cine, en un periodo de aproximadamente 10 años. Lamentablemente, su vida se vio truncada cuando murió por los efectos del alcoholismo apenas dos meses antes de cumplir 41 años, en 1940. Teniendo en cuenta lo prolífico que fue, resulta asombroso pensar en lo que podría haber sido si hubiera vivido más tiempo. 

En sus numerosas obras que se inspiran en el patrimonio ancestral del país, Revueltas nunca citó íntegramente ninguna melodía folclórica en concreto. En su lugar, utilizó su capacidad para ir más allá de las notas y captar el alma y el espíritu del México precolonial, al tiempo que incorporaba elementos de la música modernista. Eso es lo que escuchamos en Cuauhnáhuac, la primera obra a gran escala que escribió el compositor, en 1931.

Los Aztecas llamaban Cuauhnáhuac a la ciudad de Cuernavaca, en Morelos. Ahora es una popular ciudad turística, y su nombre se traduce aproximadamente como "rodeada de árboles". Dramática y vibrante, los compases de esta pieza homónima cambian con frecuencia (a veces cada uno o dos compases) impartiendo una energía propulsora que da vida a esta histórica ciudad y a su civilización. 



Gabriela Ortiz (n. 1964)
LA CALACA (VERSIÓN 2021)

Gabriela Ortiz nació en una familia de músicos. Sus padres eran integrantes de Los Folkloristas, un reconocido conjunto de música folclórica cuyo propósito era "preservar y grabar la música tradicional de México y América Latina". Su casa familiar estaba llena de música, desde Beethoven hasta el mariachi. Cuando Ortiz empezó a tomar clases de piano, se encontró con la música de Béla Bartók, un compositor que recuerda como "uno de los más importantes" en su vida porque su música le ayudó a darse cuenta de que "el ritmo podía ser más complejo". Este elemento de la música ha seguido siendo fundamental para Ortiz, como compartió en una entrevista reciente: "El ritmo es muy importante en mi música. Concibo el ritmo en términos de pulso. Creo que en Europa, a veces, la forma de sentir el ritmo es en términos de duraciones, pero para mí, el pulso es extremadamente importante." 

La Calaca debutó en 1997 como la cuarta y última parte de la obra Altar de Muertos para el Cuarteto Kronos. Ortiz estrenó este arreglo para orquesta de cuerda en el Festival de Música de Ojai en 2021. La obra se inspiró en las tradiciones y festividades que rodean el Día de Muertos en noviembre, cuando se recuerda y celebra a los seres queridos. Ortiz describió la obra como un reflejo de "la búsqueda interna entre lo real y lo mágico, una dualidad siempre presente en la cultura mexicana, desde el pasado hasta este presente." Cada movimiento del cuarteto de cuerda representa los "diversos estados de ánimo, las tradiciones y los mundos espirituales que dan forma al concepto global de la muerte en México, además de mi propio concepto personal de la muerte", explica. Esos movimientos son Ofrenda, o las ofrendas a los antepasados difuntos, Mictlán, el inframundo azteca, Danza Macabra, o la "Danza de la Muerte" y La Calaca.

En sus notas de programa originales para la pieza, Ortiz señala que La Calaca expresa "el sincretismo y el concepto de la muerte en el México moderno, el caos y la riqueza de múltiples símbolos, donde la dualidad de la vida está siempre presente: lo sagrado y lo profano; el bien y el mal; la noche y el día; la alegría y la tristeza". Continúa: "Este movimiento refleja un mundo musical lleno de alegría, vitalidad y una gran fuerza expresiva. Al final de La Calaca decidí citar una melodía de origen huichol, que me atrajo cuando la escuché por primera vez. Esa melodía la cantaba la familia De la Cruz. La cultura huichol vive en el estado de Nayarit, en México. Su arte musical se encuentra siempre en la vida ceremonial y ritual".



SUITE DE MÚSICA MEXICANA POP, FOLCLÓRICA Y DE MARIACHI, arr. Alex Fortes

Esta suite de música mexicana pop, folclórica y de mariachi, curada y arreglada por Alex Fortes, violinista de A Far Cry, lleva a los oyentes a un recorrido por una sección transversal de la música popular mexicana del siglo XX. Incluye a estrellas de la Edad de Oro del entretenimiento, como Pepe Guízar, cuya música aparece en la cinta Ciudadano Kane de Orson Welles; Francisco Gabilondo Soler, quien primero encontró la fama en las ondas radiofónicas como "Cri-Cri", un grillito antropomórfico que interpretaba canciones para niños; Tomás Méndez, cuyas obras fueron interpretadas por Harry Belafonte y Perry Como; y Alfredo D'Orsay, entre otros. Raymundo Pérez y Soto y Lila Downs nacieron con 60 años de diferencia, pero ambos artistas utilizan ocasionalmente la antigua lengua náhuatl en sus canciones. La era del pop moderno está representada por José Alfredo Jiménez y por escritores de canciones que ocupan los primeros puestos en las listas de éxitos, como Ricky Vela, cuyos numerosos créditos incluyen haber trabajado con Selena antes de su trágica muerte. También se presentan varias selecciones de música de mariachi, un género con 200 años de historia, incluyendo México Lindo y Querido de Jesús Monge Ramírez, que da título a este programa.